海顿－简明，影响深远
　　约瑟夫·海顿（1732－1809）是世界音乐史上影响巨大的重要作曲家。他是维也纳古典乐派的第一位代表人物，一位颇具创造精神的作曲家。作为多产的作曲家，他曾创作106 首交响曲，由于他对于交响曲体裁的形成和完善作出了巨大贡献，因此被人们称作“交响乐之父”。他最有代表性的作品有《惊愕交响曲》、《午别交响曲》、《时钟交响曲》、清唱剧《创世纪》和《皇帝四重奏》等。这些作品都与奥地利民间音乐保持着紧密的联系，深刻地反映出海顿纯朴、明朗、幽默和乐观主义音乐风格，并对后代音乐家的创作产生了巨大影响。海顿热心关怀青年音乐家，莫扎特、贝多芬等作曲家都曾向海顿求教，并且尊称他为“我们的父亲”。
【D大调第11号钢琴协奏曲】
　　海顿钢琴协奏曲中，最常上演的是第3、4和11号作品。这三首作品充满着海顿所独有的睿智、幽默与平和的音乐风格，节奏轻快、格调淡雅，十分悦耳且更容易被入门听众所接受。而D大调的《第11号钢琴协奏曲》是最受听众喜爱的，其流畅自如的旋律，轻快幽默的节奏充满了古典主义独特的美感，它被录制的次数也最多。据说海顿是以克罗地亚起源的舞会悦耳的音调为依据创作的，1780年2月28日在维也纳的一个私人音乐会上被演奏。

※许忠曾说与奥地利室内乐团的合作让他对莫扎特的音乐终于找对了感觉。因为奥地利人对于真正的巨大线条把握得好非常之好，极有控制，不激化，他们要求声音尽量是戏剧化的，但是尖锐程度最多不超过f。每个声音有特有的情感控制，每个音符中都有种“空气”，就是我们通常说的“水分”，得通过非常柔软的手腕，非常敏感的时间将它控制好。从他为本次音乐会选择的这个背景相似的钢琴协奏曲中，我们有机会聆听到这种难得的感悟。同时，这个作品的演奏也为乐迷们迎接“海顿年”（2009年，海顿逝世200周年纪念）提供了一个启发性的热身机会。


拉威尔－严谨，诗意盎然
　　莫里斯·拉威尔（1875－1937），著名的法国作曲家，印象派作曲家的最杰出代表之一。作品以音音推敲，没有半点笔误、精准适中而驰名。他虽与德彪西同时并列为印象乐派的大师，但是拉威尔所追求的效果更精确犀利，他避开象征主义中暧昧的光线与阴影，以大量的装饰效果点缀音乐结构。若说德彪西的音乐给人漂浮在空中的感觉，拉威尔的音乐则像精巧的天文定时器，精确地指示时间。
【《库普兰墓》组曲】
　　1914年，第一次世界大战爆发，拉威尔和其它人一样，热切焦虑地期望能投入战争行列为国家服务。但是他因身体瘦弱而无法当兵，于是以驾驶医护车的司机出征到前线战场。战争结束之际，拉威尔写下《库普兰之墓》；库普兰为法国17世纪最伟大的键盘音乐大师，他对拉威尔来说代表了一种音乐理想，因而此曲等于是双重的致意－在国家遭受莫大危难时，像法国音乐传统致意，也向为国牺牲的人致意。而库普兰代表的正是这些人以生命护卫的法国文化理想中的音乐巅峰。

【《鹅妈妈》组曲】
　　拉威尔在1909年为他的好朋友哥台勃斯基的两个孩子创作的《鹅妈妈》组曲，内容取材于法国作家贝洛、奥努瓦和博蒙夫人的童话，据说目的是要以此唤起童年时代的诗意。1911年，拉威尔把《鹅妈妈》改编为管弦乐组曲，后来又加上了两个乐章，改变了各乐章的次序，并用间奏曲把它们贯串起来，成为舞剧音乐。里面熟悉的童话故事包括《睡美人》、《美女与野兽》、《大拇指》、《陶瓷女王》等。


普罗科菲耶夫－乐观，走向光明
　　俄罗斯作曲家、钢琴家和指挥家普罗科菲耶夫（1891-1953）被认为是二十世纪最著名的作曲家之一。1913年以前，其作品的特征是不断的探索和风格的急剧变化。他反对当时风行的柔弱伤感的艺术风格，主张刚健有力的、甚至强烈到刺激感官的艺术效果。他这一时期的作品常常迸发着节奏的力量，充满活力和热情，富于奇思异趣，俄罗斯民间因素被赋予了崭新的面貌。本次演奏的第一交响曲就是这个时期的作品。
　　二十年代前后的十五年间，他侨居国外，在各国弹奏、指挥自己的作品演出，享有世界性声誉。普罗科菲耶夫认为艺术家必须美化、歌颂和捍卫人的生活，引导人们走向光明的未来。他的作品中所固有的明朗乐观、富于活力的素质正是上述信念的体现。
　　著名小提琴家席盖蒂在听到普罗科菲耶夫逝世的消息时曾说：“非常奇怪的是，人们完全认识到他的音乐富有生命力，生气勃勃，怪异而谐谑。但是，几乎都不曾注意到在他所有作品中都能看到的童话般的倾向”。普罗科菲耶夫自己曾在《自传》提到“在很长时期内我的抒情特性没被人承认，但是后来我对它却越来越重视了。”
【第一交响曲】
　　作品创作于1917年，并于当年首演而获安东·鲁宾斯坦奖，是作者除交响童话《彼得与狼》以外的另一个成名代表作，据说是为了向海顿表示敬意。这部作品采用古典音乐的传统技法，但采用不协和和弦和新颖的节奏，是二十世纪所谓“新古典主义”音乐的范例。曾被评为“现代人所住的古镇”。

※普罗科菲耶夫的生活、音乐历程和乐观的生活态度与许忠有着许多相似之处，拉威尔则是许忠一百年前的同门师兄。许忠年少便来到法国巴黎国立高等音乐学院大师班，在法国长大。随处可见的青铜雕塑，有着历史沉淀感的著名建筑，还有他所向往的歌剧院、音乐厅、美不胜收的巴黎歌剧院都让他直接感受到了艺术的力量。在导师墨赫莱的教导下，许忠曾经被要求这样演奏巴赫：一只手从头开始弹，另一只手从尾开始弹，两只手从不同的地方进入，可想而知有多么别扭。墨赫莱教给许忠的视谱方法也是苛刻的，一下子就弹总谱，各种乐器、调号、记谱方法都不一样，所有的谱表也不一样，却逼着许忠去弹去记……许忠“吃尽苦中苦”，却因此得到音乐的宝藏，为日后边指挥边演奏打下了扎实的基础。